(PRIMAMUSIC) A pochi giorni dall’uscita dell’album, Riccardo Prencipe racconta il nuovo capitolo dei Corde Oblique. Tra memoria, genitorialità e riferimenti proustiani, l’album “All’ombra dei fanciulli in fiore” intreccia neofolk, ethereal-prog e derive post-rock. Un percorso che passa dai singoli “Emma”, “Senza Vento” con Andrea Chimenti e “A New Balance”. Con lui ripercorriamo scelte artistiche, collaborazioni e il senso di una “Bottega Artigiana del Suono” sempre in equilibrio tra arte e rock. (PRIMAMUSIC)
All’ombra dei fanciulli in fiore by Corde Oblique
Il titolo “All’ombra dei fanciulli in fiore” è un omaggio a Proust e alla genitorialità: come convivono, nel disco, la memoria letteraria e l’esperienza personale?
L’opera di Proust è, per eccellenza, la cattedrale della memoria, del tempo perduto e della nostalgia per ciò che sfiorisce nell’istante stesso in cui sboccia. Nella mia esperienza personale, la genitorialità ha agito come un potente acceleratore di queste sensazioni: vedere un figlio crescere significa assistere quotidianamente al miracolo della fioritura, ma anche alla spietata e bellissima velocità del tempo che passa. Nel disco, la memoria letteraria proustiana e il vissuto privato non sono due binari separati, ma si fondono: la letteratura mi ha fornito le parole e le immagini universali per decodificare e sublimare un’urgenza intima, trasformando il diario personale in un manifesto sonoro sulla fragilità e sulla bellezza della vita.
Dopo “Cries and Whispers”, quali urgenze artistiche ed emotive vi hanno spinto verso questo nuovo album?
Se Cries and Whispers esplorava dinamiche più notturne, cupe e introspettive, quasi claustrofobiche in certi passaggi, l’urgenza emotiva dietro questo nuovo lavoro è stata profondamente segnata da una forte transizione personale. Il vero motore immobile di questo disco è stato il dolore per la recente perdita di mio padre. Elaborare questo lutto mi ha spinto a cercare una luce, pur mantenendo intatta la nostra matrice malinconica, rimettendo al centro la purezza, l’innocenza e il concetto stesso di “nascita” e rigenerazione come risposta alla morte. Artisticamente, sentivo la necessità di far dialogare ancora di più la complessità strutturale delle composizioni con arrangiamenti ariosi, capaci di respirare e di aprirsi a una coralità e a una dinamica più cinematografica e stratificata.
I tre singoli — “Emma”, “Senza Vento” e “A New Balance” — mostrano anime diverse del progetto: sono stati scelti per raccontare un percorso preciso all’interno della tracklist?
Assolutamente sì, la scelta non è stata casuale ma rispecchia la natura profondamente poliedrica di Corde Oblique. “Emma” rappresenta l’anima più eterea, poetica e legata alla melodia pura; “Senza Vento” scava nelle nostre radici Darkwave e New Wave, grazie anche a una forte impronta cantautorale teatrale; “A New Balance” mostra invece il lato più progressivo, geometrico e ritmico del progetto. Insieme, questi tre brani non sono solo una sintesi dell’album, ma tracciano una vera e propria mappa emotiva per l’ascoltatore, preparandolo ai continui contrasti di luce e ombra che strutturano l’intera tracklist.
In “Senza Vento” collaborate con Andrea Chimenti, voce storica della New Wave italiana: come è nato l’incontro, passato e presente, e cosa ha aggiunto la sua interpretazione al brano?
L’incontro con Andrea Chimenti è il coronamento di una profonda stima reciproca che dura da anni. La sua storia con i Moda e il suo percorso solista rappresentano un pilastro per chiunque ami la New Wave e il cantautorato più colto in Italia. Quando ho scritto “Senza Vento”, ho sentito immediatamente che il brano necessitava della sua timbrica così scura, teatrale ed elegante. Il passato e il presente si sono fusi in modo naturale: Andrea ha preso la mia scrittura e le ha donato una solennità quasi sacrale. La sua interpretazione ha aggiunto un peso specifico enorme, una drammaticità nobile che ha trasformato la canzone in un vero e proprio viaggio sciamanico. Andrea è diventato una presenza cardine di questa produzione, tanto da prestare la sua straordinaria voce e sensibilità interpretativa anche ad altri due brani all’interno del disco.
Nel disco c’è anche lo spoken word di Maddalena Crippa: quale ruolo ha la parola recitata nella drammaturgia del vostro suono?
Per un progetto come Corde Oblique, in cui la musica è strettamente legata alla letteratura e alle arti visive, lo spoken word non è un semplice riempitivo, ma un elemento drammaturgico fondamentale. La voce di Maddalena Crippa possiede una forza espressiva straordinaria, capace di evocare immagini con il solo utilizzo delle pause e dell’intonazione. La parola recitata spezza la forma-canzone tradizionale, inserendo una dimensione teatrale che costringe l’ascoltatore a fermarsi e a cambiare livello di percezione. Funziona come un ponte tra il suono astratto degli strumenti e il peso concreto della narrazione letteraria.
Questo brano porta con sé un’atmosfere speciale anche per via di dove è nato: abbiamo registrato l’album in Umbria, la splendida terra dove Maddalena vive. È un luogo in cui sono stato spesso, raggiungendola più volte sia per impegni di lavoro sia per il puro piacere di passare del tempo prezioso con lei e con suo marito, il grande regista Peter Stein. Lavorare in quell’ambiente ha donato al pezzo un’intimità e una verità uniche.
“A New Balance” è il seguito ideale di “A step to lose the balance”: cosa è cambiato, sul piano musicale e biografico, tra quei due brani?
“A step to lose the balance” descriveva quel momento esatto, vertiginoso e spaventoso, in cui si accetta di perdere l’equilibrio per andare incontro al cambiamento — una fase biografica segnata da grandi mutazioni e anche da una certa inquietudine, che musicalmente si traduceva in tensioni più aspre. “A New Balance” è l’approdo: la tempesta si è assestata e si è trovato un nuovo centro di gravità, una stabilità inedita dettata anche dalla maturità della genitorialità. Musicalmente, il brano riflette questa evoluzione: c’è ancora la complessità dei tempi dispari e la spinta progressiva, ma il tutto fluisce con una fluidità e una consapevolezza armonica superiori, con una scrittura più solida e risolta.
Il disco è stato mixato da Massimo Aluzzi e masterizzato agli Abbey Road Studios da Alex Wharton: quanto ha inciso questa filiera produttiva sull’identità finale del suono?
Ha inciso in modo determinante. Il lavoro di missaggio, curato con immensa perizia da Massimo Aluzzi e Andrea Cutillo, ha saputo valorizzare al massimo la natura acustica e “reale” degli strumenti. Insieme hanno mantenuto intatta la separazione, il calore e l’equilibrio di ogni singola sorgente sonora, dal dettaglio del fingerstyle sulla chitarra classica alla dinamica degli archi e delle frequenze più profonde. Il mastering di Alex Wharton agli Abbey Road Studios ha poi donato al disco quel respiro internazionale, quella profondità e quella compattezza che solo quella specifica filiera e quella strumentazione storica possono garantire. È un suono che non insegue le mode della compressione digitale moderna, ma che punta alla longevità, alla tridimensionalità e al rispetto della dinamica esecutiva.
La vostra cifra alterna delicatezza acustica, fingerstyle e riff vicini al progressive metal: come lavorate in band per tenere insieme questi mondi?
Le doti espressive della chitarra classica e l’energia del metal trovano una sintesi naturale nel nostro metodo: non essendo una rock band tradizionale che improvvisa o fa sessioni di prova libere in studio, la gestione di questi contrasti estremi viene definita interamente a monte, in fase di scrittura. Io nasco con la disciplina della chitarra classica, ma porto dentro di me l’energia, la teatralità e la complessità strutturale dell’extreme metal e del prog — influenze apparentemente distanti come i Cradle of Filth o i Cannibal Corpse mi hanno insegnato tantissimo sulla gestione della tensione drammatica. Quando lavoro con i musicisti dell’ensemble, l’obiettivo comune è non far suonare questi cambi di registro come “incollati”, ma come evoluzioni fluide della stessa cellula melodica. La delicatezza acustica prepara il terreno per l’esplosione, e il riff progressivo serve a liberare quell’energia che il solo fingerstyle può solo accumulare.
Nel testo di “Senza Vento” citate il “rocchetto dell’abbandono” e l’“albero di Anagni”; quanto l’immaginario visivo e storico-artistico guida ancora la vostra scrittura?
L’immaginario storico-artistico e visivo non è un semplice contorno, è la vera e propria linfa vitale della mia scrittura. Il “rocchetto dell’abbandono” è un chiaro richiamo alla celebre analisi freudiana del gioco del Fort-Da, ma visivamente evoca l’atto del dipanare e del riavvolgere i fili della memoria e del distacco.
L'”albero di Anagni” si riferisce invece a un dettaglio ben preciso della cripta della Cattedrale di Anagni, considerata la “Cappella Sistina del Medioevo”. In particolare, fa riferimento alle Storie di Samuele, dove compare la raffigurazione di un albero. Questa specifica iconografia è impressa in un’immagine contenuta in un libro a cui sono profondamente legato sia dal punto di vista affettivo che formativo: “La pittura italiana delle Origini”, scritto dal mio illustre maestro, lo storico dell’arte Ferdinando Bologna. Quando scrivo un testo o una melodia, io “vedo” questi luoghi, questi testi e queste opere. La sfida di Corde Oblique rimane la stessa: trasformare l’arte visiva e la pietra storica in materia sonora vibrante.
Dopo il listening party alla Fonoteca di Napoli e le date tra Germania e Italia con la presentazione ufficiale nella vostra città il 20 novembre al Teatro Bolivar, come immaginate il passaggio dal disco alla dimensione dal vivo, senza tradire l’esperienza d’ascolto che avete costruito?
Il passaggio dal vivo è sempre una sfida affascinante per un ensemble come il nostro. Veniamo dall’esperienza straordinaria del festival Schwarzer Herbst a Löbau, in Germania, dove abbiamo respirato un’atmosfera incredibile, e la data del 20 novembre al Teatro Bolivar di Napoli rappresenta il vero cuore pulsante di questo inizio tour. Per non tradire l’esperienza d’ascolto del disco, non cerchiamo la replica sterile dello studio, ma puntiamo sull’impatto emotivo e sulla teatralità dello spazio scenico. Il teatro è il luogo perfetto: permette il silenzio e la concentrazione necessari per apprezzare le sfumature acustiche del fingerstyle e dei violini, ma ha anche la cassa di risonanza ideale per i momenti più energici e progressivi. Dal vivo i brani acquistano una nuova carne, una vibrazione fisica che completa il viaggio iniziato tra le cuffie a casa.
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