(PRIMAMUSIC) Con “Solo Amore”, i CTRL+Z trasformano il disagio emotivo in un racconto rock intenso e senza filtri. La band barese costruisce un brano che alterna momenti di profonda introspezione a improvvise esplosioni sonore, dando voce a fragilità, rabbia e senso di inadeguatezza. Attraverso un linguaggio diretto e autentico, il gruppo affronta temi ancora spesso difficili da condividere, restituendo il ritratto di una generazione alle prese con solitudine, incomprensioni e difficoltà comunicative. Un singolo che conferma la capacità dei CTRL+Z di unire impatto emotivo e identità rock in una proposta personale e sincera. (PRIMAMUSIC)
“Solo Amore” mette al centro la fragilità emotiva maschile. Pensate che oggi ci sia ancora paura nel mostrare le proprie debolezze?
Si c’è ed è anche molto radicata. Per un breve periodo, durante ed immediatamente dopo la pandemia (stesso periodo in cui viene fatta la prima stesura del brano, poi rivisto e rimaneggiato mille volte prima della pubblicazione) c’è stato un lungo periodo in cui la salute mentale e la fragilità avevano trovato un posto privilegiato nella discussione pubblica. Purtroppo, non è durato molto e si è subito tornati indietro. Dentro Solo Amore c’è la storia di uomini e donne che non vivono bene tutto quello che li circonda oggi amplificato da un contesto sempre più instabile sotto ogni fronte e l’inabilità nel comunicare questo disagio.
Il brano alterna momenti introspettivi a esplosioni più aggressive. Quanto conta la dinamica emotiva nella vostra musica?
Molto, quasi tutto. Abbiamo scelto di raccontarci, attraverso la musica, nel modo più limpido possibile. L’emozione ed il colore di quello che raccontiamo influenza ogni passo del percorso creativo della canzone a partire ovviamente dalle dinamiche e dal suono di ogni brano. Il fatto che questo venga percepito in modo chiaro significa che stiamo riuscendo bene nel nostro intento
Avete definito questo periodo talmente intenso da meritare “una discografia intera”. Cosa vi ha lasciato artisticamente?
La voglia di tirare fuori tutto quello che altrimenti non troverebbe sfogo. Abbiamo scritto e composto molto negli ultimi anni e ci sentiamo sempre più motivati a farlo. Al contempo siamo sempre più stupiti che nel panorama dei grandi artisti italiani sembra che quello che stia succedendo non venga raccontato, salvo rarissime eccezioni.
Quanto lavoro c’è dietro gli arrangiamenti dei vostri brani?
Troppo, probabilmente. Il fatto che ci lasciamo molto trasportare dalle emozioni significa che i brani mutano di continuo e questo significa rimaneggiare continuamente tutta la composizione. Non siamo dei perfezionisti ne ci dilunghiamo in grandi analisi su metriche o necessità di mercato eppure ogni nostro pezzo e discusso, sezionato e ricomposto decine di volte prima di trovare una forma che soddisfi tutti. Questo tipo di approccio sicuramente ci fa consumare molte energia ma avere un risultato finale che mette d’accordo cinque teste così tanto diverse non ha prezzo.
Le vostre influenze spaziano dai Tool agli Incubus fino al rap hardcore. Quali artisti sentite più vicini al vostro percorso?
Questa è una domanda che non può avere una risposta unica. Ponendola ai cinque componenti della band avreste cinque risposte differenti ed è questo il bello… Di sicuro l’unico spazio in cui troviamo tutti un punto comune è la musica rock e grunge degli anni a cavallo tra i novanta ed i duemila perché per tutti noi ha avuto uno spazio importante nella nostra crescita umana o artistica. Tuttavia, le nostre singole influenze sono divergenti e ci piace così.
Quanto è importante oggi per una band emergente distinguersi dalla massa?
Questa è una bella domanda. Essere “unici” è qualcosa che crea band destinate a diventare grandi ma allo stesso tempo distrugge tantissimo potenziale. La ricerca dell’unicità a tutti costi ha il grosso rischio di compromettere non solo la genuinità del percorso creativo ma anche di togliere passione a chi della creazione ha fatto la propria vita. Quello che si fa deve principalmente dare piacere all’artista e solamente in un secondo luogo tutto il resto (unico, vendibile, riconoscibile, identitario ecc…). Sempre più spesso il processo creativo si avvicina a quello del marketing vero e proprio e finisce per generare quelle meteore che esplodono, hanno un grande successo e dopo due anni non esistono più perché sono spolpate o semplicemente vanno in bornout. Olretutto osservando il mercato musicale moderno di unicità ce ne sono sempre meno e questo diventa doppiamente frustrante per chi la ricerca. L’importante è chiedere tanto a se stessi e sentirsi soddisfatti. Quello che fai ti deve piacere e deve divertirti anche e soprattutto se lo fai in modo professionale. L’unicità deve essere una conseguenza del tuo percorso personale ed artistico, non un obiettivo.